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Peter Jackson, me das miedo

Uno de mis libros favoritos es El señor de los anillos.  Punto.

Me pasé los posteriores 5 o 6 años de su descubrimiento (en mi prolongada edad del pavo… a veces pienso que sigo en ella) releyéndolo de manera compulsiva, hasta que salió la película y me arruinó la fiesta. Seamos sinceros, en el momento me encantó (al menos la primera parte), vale, los hobbits eran muy gays, Aragorn demasiado sexy y Arwen sobraba, pero estaban los magníficos jinetes negros, un Gandalf acertado y sobretodo unos escenarios y decorados que te enamoraban.

Pero la verdad es que El señor de los anillos no aguanta muy bien el paso del tiempo. Viendo la trilogía hoy en día se hace pesada a ratos y ridícula en fragmentos (no quiero recordar la horrible escena en la que se reencuentran todos los hobbits y se abrazan y dan saltitos sobre la cama de un Frodo enfermo… Me da escalofríos). Aún así, se deja ver, y posiblemente si no venerara tanto la novela, me gustaría bastante más. Pero bueno, el error parte de la base de no encargar a un inglés para que hiciera la película, que comprendería mucho mejor el sentido del humor y la importancia de los detalles que un tío nacido en Pukerua Bay (no me lo he inventado, lo pone la Wikipedia…).

Parece que Jackson tiene comprado el monopolio de lo poco que nos dejó Tolkien, cualquier día nos sorprende con una serie del Silmarillion con enamorados, batallas épicas y apariciones estelares. Sí, le cogí un poco de manía a Jackson y ahora lo temo… Hubiera sido interesante dejar a otro director dar su visión, pero no, tenemos que volver al estilo hollywoodiense en el que se inventan romances debajo de las piedras, los enanos no parecen enanos (y son casi guapos.. ¿?), hay batallas de 30 minutos de duración y escasos diálogos interesantes. Pero aún así, todos lo sabemos, la iré a ver ansiosamente. Algo bueno tiene de base, y es al fascinante actor Richard Armitage (sí, mi querido Thornton de Norte y Sur…) y al bueno de Martin Freeman (de la miniserie Sherlock de la BBC) lo escogieron como un Bilbo que resulta bastante creíble… Veo el trailer y me emociono, pero claro, a día de hoy me gustan más los trailers de El señor de los anillos que las películas… Tengo miedo y ansia al mismo tiempo.

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Nada que declarar

Me cuesta mucho reirme con las comedias. Tengo un sentido del humor fácil en la vida real, pero difícil en el cine. Bienvenidos al Norte, la anterior película de Dany Boon consiguió con creces arrancarme buenas carcajadas, por eso me lancé cual posesa sobre esta “Nada que declarar” en el videoclub, a pesar de su nefasta portada, que no auguraba nada bueno…

La trama, en cambio, prometía: Día 1 de enero de 1993: fecha de la creación de la Eurozona. Dos agentes de aduanas -un belga y un francés- se enteran de que sus puestos en la frontera de sus respectivos países están a punto de desaparecer. Para Ruben Vandervoorde (Benoît Poelvoorde), el agente de aduanas belga, la francofobia es una tradición familiar. El agente francés Mathias Ducatel (Dany Boon) es enemigo declarado de Ruben y está secretamente enamorado de su hermana. Para sorpresa de todos, Mathias y Ruben olvidan sus antiguas rencillas y deciden trabajar juntos, peinando las carreteras rurales fronterizas con un vehículo especial de las aduanas internacionales: un Renault 4L a punto de ir al desguace.

Y el filme comienza con paso firme, pero mientras van pasando los minutos se va desinflando. Las ganas de introducir una moraleja con calzador (que no era necesaria, no somos estúpidos) estropean el efecto final y la historia de amor, además de ridícula, es insoportablemente ñoña. El único personaje verdaderamente divertido, Vandervoorde, queda tristemente tapado entre otros mediocres y poco interesantes.

En conclusión, una película que se queda en el “podría haber sido..” pero que no consigue llegarle a Bienvenidos al Norte a la suela de los zapatos. Seguramente el hecho de haberla visto en español en vez de en Versión Original también haya sido un factor negativo, pero no excusa el uso de la risa fácil (e incluso las alusiones tontas de “caca, culo, pedo pis”) y el alargamiento del metrage.

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De Blancanieves y madrastras

Parece que el 2012 a parte de ser el año en el que se acaba el mundo, también será el año de Blancanieves. Este clásico literario que alcanzó lo más alto con la adaptación animada de Walt Disney vuelve a la carga con tres películas muy distintas entre sí basadas en el cuento original de Los hermanos Grimm . A mi, la que más me llama la atención es sin duda la del director Tarsem Singh, conocido por películas como “La celda” o “The Fall, el sueño de Alejandría”, es un autor que me encanta por su manera de entender el mundo, lleno de color y fantasía. Me da la impresión de que no me va a defraudar… (^w^)

En esta adaptación la malvada será la mítica actriz Julia Roberts, y Blancanieves la joven Lily Collins, mientras Armie Hammer  hará de príncipe. Aunque será más fiel al cuento original que las otras dos adaptaciones previstas para el 2012, se guarda sus sorpresas bajo el brazo…

La segunda adaptación y quizás la más conocida lleva el nombre de “Blancanieves y el cazador” del director Rupert Sanders, un joven autor famoso por crear anuncios con una calidad visual sorprendente. En esta versión el argumento se sale bastante del clásico: En la aventura épica de acción Blancanieves y el cazador, Kristen Stewart (Crepúsculo) encarna a la única mujer que supera en belleza a la malvada reina (la oscarizada Charlize Theron) decidida a destruirla a toda costa. Pero la pérfida soberana ignora que un cazador (Chris Hemsworth, Thor) cuya misión era matarla, ha enseñado a la joven a defenderse.


Vamos, que esta versión tampoco pinta nada mal, únicamente me desagrada que sea la crepusculina la protagonista, y es que ojalá cambie de opinión tras ver esta película, pero siempre me ha parecido que es lo más sosaina que existe, y que tiene la capacidad de emocionar de un lagarto. En fin, aún así, pinta bien ¿Verdad?


Finalmente tenemos la visión más independiente, dirigida por Pablo Berger. Es un arriesgado proyecto, un título mudo y en blanco y negro  que da una visión  gótica de la historia mundialmente conocida, ambientada en la España de los años 20 y protagonizada por Carmen Maura y Maribel Verdú. La historia tiene también una pinta excepcional, podéis ver más imágenes del filme en su página de facebook.

Vamos, que ya podemos prepararnos para un 2012 de cuento de hadas, lleno de originalidad y vanguardismo. Yo espero ansiosa los tres estrenos, esperemos que tengan éxito  y se siga arriesgando en el mundo del cine, aunque sea con material ya de sobra conocido.

Visto en El mundo de Fawn

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Valor añadido al cine: SUPER 8

J. J. Abrams sabe lo que es la diversión, sabe lo que es la aventura, la acción, la ciencia ficción, sabe lo que es hacer un guión cojonudo, y eso es lo que ha hecho con Super 8. No es que me sorprenda, a día de hoy Abrams nunca me ha decepcionado, pero puedo decir que con este filme se ha superado… y no porque me rinda intelectualmente ante su manera existencial de entender el cine y al ser humano…no. Porque sabe realmente lo que es el cine. ¿Y qué es el cine?

Pues para mi es entretenimiento. Es conseguir que se te olvide que tienes una vida fuera esperándote, es que te mantengan con la lagrimilla colgando o te hagan reír a carcajada limpia en 2 horas de metraje, es que te encariñes tanto con unas caras que de pronto ya les desees el bien para el resto de sus vidas, es DISFRUTAR.

Super 8 nos hace revolvernos en nuestros asientos sin la necesidad de una historia única o tremendamente original. De hecho, da gusto volver a los 80, volver a ver películas en la que lo pre-adolescentes no se drogan ni pegan a sus profesores, si no que al contrario, sienten pánico hacia estos. Da gusto ver a esos niños que se escapan por la ventana, inocentes, pardillos  y a la vez… unos pillos. Mi hermana decía que al ver la película le inundaba un sentimiento de nostalgia, de otro tiempo y otro cine.. con menos medios pero posiblemente mejor. Estoy de acuerdo.

Abrams escribe para todos los públicos, pero en realidad, solo una pequeña parte de los espectadores somos capaces de estrujar la historia y de dejarnos absorber por ella, tanto como a él seguramente le absorbía mientras ideaba el guión. Es una película que te reconcilia con el cine, que te recuerda a aquel tiempo en que tenías 12 años e ibas al cine día sí y día también porque no había otra cosa que hacer, pero es que además te gustaban todas las películas. Ahora te ponen tan difícil disfrutar de una película entre tanto snob reprimido, supuestos visionarios o rompedores del género… Pero Abrams lo consigue (seguramente con la inestimable ayuda de Spielberg, dato que no debe ser pasado por alto), y a mi solo me queda darle las gracias y pedirle de todo corazón que nunca deje de hacer cine, porque el mundo lo necesita.

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“¿Para qué sirve un oso?” Impecable fotografía, infumable guión

Esta extraña película de Tom Fernández parece más un anuncio de Asturias (Paraíso Natural) que una película. Lo más sorprendente de todo es las buenas críticas que ha recibido, la verdad, y es que duele ver una película como esta: SIN GUIÓN. La premisa de dos hermanos científicos que no se llevan bien ni entre ellos  ni con el resto del mundo y que viven alejados de la mano de dios la hacía interesante en un principio, pero cuando empiezan a introducir al elemento femenino (TERRIBLE personaje el de Rosa), las payasadas sin gracia, los interminables clichés y las ganas de contar un final feliz… no sé, consiguen hundirse por su propio peso.

No sólo es una película previsible, si no que lo peor de todo es que resulta aburrida. Es más, parece una película infantil mal hecha. La verdad es que me da pena, porque los actores principales me gustan y me suelen hacer gracia, pero donde no hay no se puede sacar. Repito, sin guión no hay película. Quería reconciliarme con el cine español, y las alabanzas a este realizador me animaron a darle una oportunidad, pero la verdad es que no puedo con este ecologismo barato (hay que ver más a Ghibli) y esas ganas de complacer a todos los públicos.

Vamos, que no es una película para tirar a la basura, como decía he disfrutado cada minuto del metraje gracias a la excelente fotografía (y es que Asturias es mucha Asturias obviously), la cámara se mueve bien, los escenarios recreados en los que viven los personajes están llenos de encanto y los actores son buenos (y además se lo están pasando bien, y eso se nota)… Pero esta película debería ser un ejemplo en las clases de guión cinematográfico sobre lo que NO hay que hacer

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Recuerdos del ayer (Omohide poro poro)

La historia:

Recuerdos del Ayer” gira en torno a Taeko, una mujer de 27 años y soltera que trabaja en Tokio en 1982 y tomará unas vacaciones en el campo con la familia de su cuñada. Durante sus vacaciones, Taeko se encuentra a sí misma recordando su época de colegiala. La película va y viene entre esos dos momentos con mucha nostalgia y un hermosísimo paisaje de fondo en el que Taeko lleva a cabo sus flashbacks y trata de tomar algunas decisiones difíciles sobre su futuro.

Lo mejor:


Hace ya unos cuantos días que vengo rumiando “Recuerdos del ayer”, la película del Studio Ghibli dirigida por Isao Takahata en el 91. Es sin duda una película única, intimista, terriblemente personal y que poco tiene que ver con lo que Ghibli acostumbra a hacer. Le tengo miedo a Takahata desde que vi “La tumba de las luciérnagas”, pero se puede decir que me he reconciliado con él gracias a “Recuerdos del ayer” (Y no es que la primera no me gustase, es que casi me quita las ganas de vivir).

Lo mejor de esta película sin duda es la capacidad que tiene para transmitir la realidad en Japón en los años 60, de manera cruda, realista o incluso a veces aburrida, pero siempre con un gusto por los detalles y un cariño por los personajes asombroso. Sus diferencias con el cine de su compañero Miyazaki son abismales, pero no por eso es menos impresionante. Takahata no cuenta grandes historias ni habla de magia o aventuras, se limita a mostrar el mundo desde su punto de vista particular. Hay que cogerle el punto, pero cuando lo haces te quedas prendado, particularmente, creo que los últimos minutos de esta película (cuando el pasado y el presente se encuentran por así decirlo) son de los finales más emotivos y mejor hechos que he visto en el cine.

Lo peor:

Como todo cine independiente que se precie, no es para todos los públicos. Como decía, es una historia muy particular que no gustará a todos y chocará a la mayoría. Uno de los principales problemas, es que a nosotros como occidentales, nos costará bastante comprender algunos aspectos de la cultura japonesa, algunas actitudes de los personajes que en la película se nos muestran con naturalidad. Otro elemento que tenemos que tener en cuenta, es que como las películas de Sofia Coppola no deberíamos juzgarla en el primer visionado,  hubo fragmentos que se me hicieron largos e incluso un poco pesados, pero estoy segura de que cuando la vuelva a ver no me lo parecerá.

Es una cuestión de mimetismo con la historia, a veces cuesta más y a veces menos. Y por último, una cosa que me ha molestado bastante es la animación utilizada para la protagonista adulta y el presente de la historia. Se decidió que se utilizarían unos actores reales para copiar las expresiones faciales y así resultara más realista, pero en mi opinión queda demasiado brusco y feo, quizá contraste demasiado con lo hermosa que es la animación utilizada para los recuerdos.

Enlaces:

Para que no se diga que soy parcial os traigo aquí un par de buenas reseñas, de detractores y admiradores, para que veáis que esta película no es para todos los gustos :

Zonafandom

Una pareja otaku

El último Pocky

Magrat Ajostiernos dice:

Según se terminó la película me quedé un poco vacía. Realmente no sabía si me había gustado o no, simplemente necesitaba unos días para asimilarla… Un par de semanas después puedo asegurar que me ha gustado, es una película rara y terriblemente nostálgica. Como decía habrá mucha gente a la que le aburra o no la entienda, porque eso es lo que pasa con las historias que transmiten sentimientos en vez de contar historias.  Tiene grandes momentos, pero sobretodo tiene pequeños momentos.

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Infiltrados, peliculón antológico

Así es, el otro día encontré (POR FIN) a dos secuaces para ver Infiltrados, la peli del gran Martin Scorsese del año 2006. Llevaba años queriendo verla, pero todo el mundo la había visto ya y ponerme a verla en soledad siempre acababa dándome pereza… Visto así, después de tanto esperar, la peli podría haberme decepcionado mucho, pero nada más lejos de la realidad. La vimos el Domingo por la tarde, y todavía estoy sumida en un estado de estupor producto de la misma.

Infiltrados cuenta la historia de un cruento mafioso que se infiltra en la policía como niño bueno e impoluto (Damon) y no hace más que ascender, mientras un poli que ha vivido siempre entre delincuentes (DiCaprio) se infiltra en el grupo del mayor capo de la mafia de Boston. La historia va ganando fuerza a cada minuto, haciéndose irresistible cuando ambos bandos descubren que tienen un infiltrado y Damon y DiCaprio empiezan a trabajar a toda leche para encontrar al otro antes de que lo encuentren a él.

Desde luego, brutal reparto una vez más. DiCaprio con el que llevo unos años encariñándome (desde que dejó de tener cara de niña), se lleva casi toda la gloria, aunque mención especial merece un Mark Wahlberg irreconocible y genial. Lo mejor de la peli más allá del guión es la brutal dosis de adrenalina que te insufla, la banda sonora con los espectaculares planos y el montaje desenfrenado me dejó fascinada. Vamos, que Scorsese demuestra one more time porque está donde está.

Es una peli que hay que ver sí o sí. Uno de los mejores Thrillers que veo en mucho tiempo y una muestra del buen cine que se puede hacer cuando se tiene ganas…

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Somewhere de Sofia Coppola

A mi me encanta ir al cine. Soy muy consciente de lo caro que es, y que la coca-cola que te dan es agua, que a veces la película empieza tarde, o ponen el aire acondicionado tan alto que te provoca gripe instantánea, o que en invierno se les olvida la existencia de la calefacción, incluso alguna vez el sonido va mal…aún así me encanta ir al cine. Por eso tenía tantas ganas de ver esta película en la pantalla grande, y es que Sofia Coppola es a día de hoy, mi directora favorita… y algún día explicaré porqué.

Pero ayer me cansé de esperar. Somewhere salió en el 2010, y en España a día de hoy todavía no tiene fecha de estreno, así que emulando la sala de cine, apagué las luces, me puse un porrón de palomitas en el regazo y abrí muchos los ojos, atenta, porque hay que estar muy atento con Coppola.

Reglas para ver una película de Sofia Coppola:

  1. Poner la mente en blanco
  2. No tener expectativas ni prejuicios
  3. Centrarte mucho en lo que estás viendo
  4. Verla solo/a
  5. Ser una persona solitaria y con un punto depresivo
  6. No juzgarla en el primer visionado

Y como es mi primer visionado no quiero decir mucho. A pesar de ser mi directora favorita, reconozco que es una snob que hace cine difícil de ver, por eso hay que meterse mucho en los personajes y la atmósfera que crea para llegar a conectar y darte cuenta de lo que está haciendo. Algo que no logras que ocurra hasta el segundo o tercer visionado.

Somewhere habla de la soledad. La soledad de un actor famoso, que vive sin razón, yendo a fiestas, ligándose a todas las mujeres que se le presentan (que son muchas), fumando y bebiendo, evitando pensar… Su hija, tiene 11 años, y el tiempo que pasa con su padre es muy escaso. Cuando la niña aparece por sorpresa en el hotel en el que se hospeda, el actor tiene que enfrentarse a todo lo que ha rehuido en su vida.


Sofia retoma aquí muchos de los elementos que la hicieron famosa con Lost in Translation, un hotel, un actor famoso, la soledad, el estar perdido, la fama inconsecuente, la irresponsabilidad, el miedo… En este caso la historia está tratada de manera muy diferente. Coppola ha intentado reducir el arte de la película al mínimo (algo que a ella se le da muy bien), mostrando la historia lo más cruda posible, sin artificios, y reduciendo al mínimo esos paisajes en movimiento con música que a mi tanto me gustan. Incluso la banda sonora es escasa (eso sí, Phoenix como siempre, impecable). Es una película de silencios, con muy pocos diálogos y poca acción (por no decir ninguna).

Hay algo que me costó hacer mucho más que en el resto de las películas de la Coppola, y es empatizar con los personajes. Aún así, y aunque he de reconocer que me resultó un poco lenta para la hora y media que es, tengo que decir que me gustó. Es una historia sin historia, de esas que le gusta contar a ella, tiene todas las claves de su cine multiplicadas por 100, y hay escenas que consiguen dejarte los pelos de punta. Reconozco que hay que estar muy metido en la película (o estar muy enfermo) para que te guste, pero hay que darle una oportunidad. Porque Sofia Coppola no cuenta historias, narra sentimientos, soledades, tristezas, decisiones, sueños y decepciones.

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Adéle y el misterio de la momia (‘Les Aventures extraordinaires d’Adèle Blanc-Sec’)

La historia:

Corre el año de 1912. Adele Blanc-Sec, una intrépida y joven reportera, asumirá todos los retos para lograr sus objetivos, incluyendo el de navegar por Egipto para investigar momias de todos los tipos y tamaños. Mientras tanto, en París cunde el pánico. Misteriosamente ha nacido un pterodáctilo de un huevo de más de 136 millones años de edad que se encontraba en un estante en el Museo de Historia Natural, y desde el cielo el ave somete a la ciudad a un reinado de terror. Pero nada impresiona demasiado a Adele, cuyas aventuras esconden muchas más sorpresas extraordinarias…

¿Por qué verla?

Esta peli del 2009 del archiconocido Luc Besson reúne todo lo bueno de las pelis francesas y las de aventuras. Cuando vi el trailer por primera vez ya me llamó la atención, aunque le tenía un poco de miedo por esto de que muchas veces las películas actuales de aventura dan pena y/o risa. Hoy, después de meses sin pasar por el videclub (un ejercicio que me encanta, ya sabéis, estar horas y horas mirando películas, seleccionando y si vas con alguien: discutiendo…) me hice con ella. Fue sin duda, una buena idea, porque sirvió para alegrarme el día.

No me daba cuenta de lo que echaba de menos este tipo de películas hasta que terminé de ver Adéle y el misterio de la momia. Es un film que destaca por su sentido del humor afrancesado(con todo lo bueno que ello conlleva), su intrépida protagonista, la unión de situaciones absurdas, los escenarios deslumbrantes y los excelentes personajes secundarios.

Nada más comenzar la película ya vemos el ritmo y la dirección que toma, muy dirigida al puro entretenimiento y buscando siempre la sonrisa. Tiene un aire de aventura antigua que me encanta, y está llena de locuras.

Una de las cosas que más destacan del film es el cariño que muestra Besson por los detalles en cada una de las escenas y diálogos, no por nada, el director es un enamorado de las historietas de Tardi y llevaba años esperando para conseguir adaptarlas a la gran pantalla…

En resumidas cuentas, a mi, que la vi con miedo de encontrarme con un producto infantil y/o insulso, me sorprendió gratamente, y me hizo anhelar que el mundo del cine se centrara de nuevo un poco más en la aventura clásica que en la fantasía con dragonadas, porque por mucho que me guste la fantasía, creo que al cine, por lo general se le da mejor la aventura.

Enlaces:

Dos críticas de la película muy recomendables y más extensas que esta…

blogdecine

rtve

Magrat Ajostiernos dice:

Adéle no cuenta una historia innovadora, sorprendente o llega a atraparte realmente, pero trae consigo un aire a algo bueno, te llena de nostalgia por las producciones divertidas y arriesgadas, bien hechas y que saben entretener. Esas historias que aunque buscan el éxito, huyen de las modas, que aunque están impecablemente realizadas, no son superproducciones, que aunque trabajan con tópicos… son únicas.

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10 años no son nada…

Hoy decían en el telediario que hacía ya 10 años desde el estreno de Amelie, y casi me da un patatús. ¡10 años ya! 10 años desde que Amelie revolucionó a las jovencitas soñadoras y un poco raritas. Se pueden decir muchas cosas de esta película, y a los críticos de hoy en día no le gusta ponerla muy bien (hasta yo empecé a cogerle un poco de manía cuando de pronto millones de universitarias se cortaban el pelo como ella y ponían morritos), pero no se le puede negar que fue todo  un Boom.


 Inició una nueva forma de entender las películas, dando más importancia al color y a la luz que a los planos, y buscando una sensación más que un guión perfecto. Para mi, representa muchas cosas, hace 10 años me sentía terriblemente identificada con Amelie, ahora ya no tanto, pero siempre le tendré cariño a esta película que nos abrió un poco la mente y el corazón.

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